Los compadritos

 

En Hasta Trilce se presenta Los Compadritos, una propuesta que asume el riesgo de dialogar con la historia desde el humor grotesco y el disparate criollo, logrando una teatralidad tan incómoda como fascinante.

La obra sitúa su acción en un recreo de la ribera de Quilmes, ese espacio que podría ser postal de domingo familiar, pero que rápidamente se resquebraja ante la irrupción de lo impensado: dos náufragos alemanes, sobrevivientes del acorazado Graf Spee, que traen consigo no solo el peso de la Segunda Guerra Mundial sino también una ideología que, en este contexto, se vuelve tan absurda como peligrosamente ridícula. Allí, lo histórico se vuelve caricatura, y lo cotidiano, campo de batalla.

La dirección de Mariano Cossa es precisa en su tono: nunca cae en la solemnidad ni en la burla fácil. Por el contrario, construye un equilibrio delicado entre el sainete moderno y una farsa de tintes oscuros, donde cada situación escala hacia un caos cuidadosamente orquestado. Cossa entiende que el humor, cuando está bien administrado, puede ser un vehículo poderoso para incomodar y hacer pensar.

El elenco se entrega con una energía que sostiene el pulso de la obra de principio a fin. Matías Alarcón y Samanta Clachcovsky componen con soltura personajes que transitan entre lo reconocible y lo grotesco, mientras que Déborah Fideleff aporta una presencia escénica que equilibra tensión y comicidad. Jorge García Marino y Gustavo Rey construyen figuras cargadas de matices, evitando caer en el estereotipo plano, y tanto Juan Manuel Romero como Alexei Samek completan un entramado actoral sólido, donde cada intervención suma al crescendo dramático.

Los Compadritos trabaja sobre el absurdo como espejo deformante: lo que parece exagerado resuena, sin embargo, con ecos inquietantemente cercanos. En ese cruce entre lo histórico, lo político y lo doméstico, la obra encuentra su mayor potencia: hacernos reír para, casi sin darnos cuenta, dejarnos pensando.

Una pieza que, desde su aparente liviandad, se anima a poner en escena las tensiones más profundas de la condición humana y social. En tiempos donde lo extremo vuelve a asomar, esta propuesta se vuelve no solo pertinente, sino necesaria.

Meche Martínez

Autoría:

Roberto Tito Cossa

Contenidos Digitales:

Samanta Clachcovsky

Actúan:

Matias Alarcon, Samanta Clachcovsky, Déborah Fideleff, Jorge García Marino, Gustavo Rey, Juan Manuel Romero, Alexei Samek

Vestuario:

Teatro Nacional Cervantes, Cecilia Onorato

Escenografía:

Cecilia Onorato

Iluminación:

Alexei Samek

Redes Sociales:

Selva Lione

Música original:

Mariano Cossa

Asistencia de dirección:

Selva Lione

Prensa:

KEVIN MELGAR Prensa

Producción:

Matias Alarcon

Dirección:

Mariano Cossa

Agradecimientos:

Héctor Calmet, Florencia Castro, Casa De Cultura Rebelión, Roxana Del Greco, Patricia Knobel, Queseria Sin Tomás

Participaciones

• Este espectáculo formó parte del evento: Día del Teatro Independiente - 2025

Web: https://loscompadritos.com.ar/

Duración: 90 minutos
Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO HASTA TRILCE
Maza 177 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4862-1758
Web: http://www.hastatrilce.com.ar
Domingo - 20:00 hs - Hasta el 29/03/2026

 

Escruchantes

 

En Escruchantes A.T.R. hay algo entrañable que late desde su origen: una escritura nacida en taller, donde la experimentación no teme al exceso y donde el disparate se vuelve lenguaje legítimo. Ese pulso colectivo se percibe en cada escena, como si la obra conservara la frescura de lo que aún se está descubriendo.

Con dramaturgia de Sonia Novello y Marcelo Valerga, el material abraza el espíritu del sainete criollo para traerlo al presente con un gesto lúdico: hay barrio, hay códigos, hay melodrama, pero también hay freestyle como campo de batalla simbólico, donde la palabra intenta, acaso, salvar lo que la violencia amenaza.

Inspirada en Alberto Vaccarezza, esta versión libre no busca reverencia sino diálogo. Y en ese cruce aparece lo más valioso: una mirada amorosa sobre una realidad social compleja, narrada con humor, con ternura y con ese desparpajo que permite reír sin negar el trasfondo.

La dirección de Valerga sostiene un ritmo vital, casi urgente, donde los cuerpos y las voces construyen una comunidad en escena. Hay algo de promesa en este primer trabajo de Valerga, pero también de presente: una obra que ya encuentra su identidad en el riesgo, en el juego y en el afecto.

Porque en definitiva, entre escruches, rimas y heridas, lo que persiste —como un eco— es el amor.

Meche Martinez

 

Dramaturgia: Sonia Novello, Marcelo Valerga

Actúan: Ezequiel Baquero, Martín López Lacci, Agustín Peralta Pando, Julia Pérez Ortego, Camila Robles

Vestuario: Silvina Zorzoli

Escenografía: Marcelo Valerga

Iluminación: Marcelo Valerga

Diseño sonoro: Marcelo Valerga

Fotografía: Eloy Rodriguez Tale

Supervisión: Alfredo Allende, Mariano Caligaris

Dirección general: Marcelo Valerga

 

Toda persona vista de cerca es un monstruo

 

Hay algo profundamente incómodo —y por eso mismo, profundamente eficaz— en “Toda persona vista de cerca es un monstruo”. La obra escrita por María Zubiri y dirigida por Mauro Anton no busca agradar: busca revelar. Y en ese gesto, encuentra su potencia.

Zubiri construye una dramaturgia filosa. No hay excesos ni concesiones: cada línea parece empujar hacia el desmoronamiento inevitable de esas máscaras sociales que, en apariencia, sostienen la convivencia. Lo interesante es que no apela al dramatismo clásico, sino a una estructura donde el humor —ácido, incómodo, casi cruel— funciona como dispositivo de verdad. Se ríe el espectador, sí, pero con una risa que queda a mitad de camino, como si algo propio hubiera sido expuesto en escena.

La estructura de la cena entre dos parejas podría remitir a un esquema ya transitado, pero Zubiri logra resignificarlo desde el detalle: los silencios, las interrupciones, los pequeños gestos que delatan más que cualquier parlamento. Allí es donde su dramaturgia se vuelve inteligente: no se trata solo de lo que se dice, sino de lo que se filtra, de lo que se escapa. En ese “escape” aparece lo monstruoso.

La obra se inscribe en lo que ella misma propone como “anticomedia”, y el término no es menor. No hay alivio en el humor, no hay redención. Lo que hay es una exposición brutal de los vínculos: la envidia que se disfraza de admiración, el deseo que se oculta bajo la corrección, la frustración profesional que se vuelve veneno en la pareja. Todo eso emerge sin anestesia, en una progresión dramática que incomoda porque es reconocible.

El regreso al circuito off en El Camarín de las Musas no es casual: es el espacio ideal para una obra que necesita cercanía, casi como si el espectador también estuviera sentado a esa mesa. Porque ahí está la clave de la propuesta: no hay distancia posible. La obra funciona como espejo, pero no uno amable, sino uno que devuelve una imagen deformada… o tal vez demasiado real.

Zubiri no juzga a sus criaturas, las expone, y así deja al descubierto una certeza incómoda: lo monstruoso no es una excepción, sino una condición latente. La risa, entonces, no libera: revela.

Meche Martinez

Dramaturgia: María Zubiri

Actúan: Sol Kohanoff, Emiliano Pandelo, Maximiliano Prioriello, María Zubiri

Actores reemplazo: Agustina De Los Santos

Diseño de vestuario: Compañía Los Pretendientes

Diseño de espacio: Mauro Anton

Redes Sociales: Compañía Los Pretendientes

Diseño De Iluminación: Marco Pastorini

Fotografía: Gabriel Bertini, Renata Marano

Diseño gráfico: Páris V. Mardones, Maximiliano Prioriello

Asistencia general: Romeo Prioriello

Asistencia técnica: Romeo Prioriello

Asistencia de dramaturgia: Mónica Salerno

Prensa: Carolina Alfonso

Dirección: Mauro Anton

 

Sábados, en el Camarin de las Musas, 20:30 hs

 

Hay que se bueno porque dios nos mira

 

En Navidad, ese territorio ambiguo entre la promesa y la herida, la escena se vuelve un espejo incómodo. Hay que ser bueno porque Dios mira no propone una celebración: es una autopsia emocional.

La dirección de Pato Azor entiende que la liturgia navideña no es inocente, es una coreografía de tensiones, y allí donde el pan dulce intenta suavizar, aparece lo no dicho como protagonista silencioso.
Azor trabaja con una sensibilidad rítmica sobre el caos: lo dosifica, lo suelta, lo vuelve respirable, no es la primera vez que lo hace.
No hay golpe bajo, hay acumulación; no hay caricatura, hay reconocimiento.
La mesa familiar se transforma en un campo de batalla simbólico donde cada gesto tiene memoria.
La dramaturgia de Laura Otermin es el pulso vital: filosa sin estridencias, íntima sin encierro. Ella, además en escena, hace del silencio un lenguaje y de la espera una tensión palpable. Su actuación potencia lo que su propia escritura ya insinúa.
El elenco —Tomás Castaño, Ana María Castel, Silvia Kalfaian, Otermin, David Paez y Juan Cruz Wenk— sostiene con verdad esa incomodidad. No actúan la familia, la encarnan.
Cada personaje podría ser alguien que el espectador dejó en su propia mesa.
Hay una escucha escénica afinada que evita el estallido fácil.
Lo coral no suma: teje una trama que asfixia y abriga al mismo tiempo.
Se agradece la ausencia de moraleja; la obra no juzga, expone.
La Navidad deja de ser postal y se vuelve pregunta: qué decimos, qué callamos, qué se redime al brindar.
Otermin, junto con Azor, no romantizan el dolor ni lo esquivan, pero logran ambos una escena viva, incómoda y profundamente reconocible.

Meche Martínez

 

Autoría: Laura Otermin

Actúan: Tomás Castaño, Ana María Castel, silvia kalfaian, Laura Otermin, David Paez, Juan Cruz Wenk

Vestuario: Jorgelina Herrero Pons

Escenografía: Jorgelina Herrero Pons

Diseño De Iluminación: Lucas Orchessi

Fotografía De Escena: Alexis Jalife

Diseño gráfico: Patricio Azor

Asistencia de dirección: Magui Zilli

Prensa: Paula Simkin

Producción ejecutiva: Claudia Quinteros

Dirección: Patricio Azor

ÍTACA, COMPLEJO TEATRAL
Humahuaca 4027 
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 75493926 WhatsApp 11 6669 4027
Web: https://www.instagram.com/itacacomplejoteatral/
Sábado - 20:30 hs - Hasta el 25/04/2026

 

MAZEL TOC

 

Hay obras que se ven. Hay obras que se sienten. Y hay obras —muy pocas— que se alojan en el cuerpo del espectador como una verdad que ya no puede desoírse. Mazel Toc pertenece a esta última categoría.

El unipersonal de Nicolás Litman, con dirección de Fernando Ricco y producción de Sebastián Kirsnzer desde La Pausa Teatral, no es simplemente una pieza escénica: es un acto de exposición radical, una ceremonia íntima donde la biografía se vuelve materia poética sin perder jamás su filo.

Desde el inicio, Litman no interpreta: se ofrece. Su cuerpo, atravesado por el Tourette, se convierte en archivo vivo de una memoria que no busca embellecer el pasado sino decirlo con crudeza. Ahí radica la potencia de esta dramaturgia del yo: en no ceder a la tentación de la liviandad, en no pedir permiso para incomodar. Cada tic, cada gesto, cada interrupción del discurso no es obstáculo sino lenguaje. Es el teatro en su forma más honesta, cuando lo que sucede no puede disociarse de quien lo encarna.

La dirección de Ricco acompaña con una precisión exacta. No hay artificio que distraiga, no hay exceso que subraye. Todo está puesto al servicio de esa voz que se construye en escena como quien arma su identidad a pedazos. El ritmo —a veces vertiginoso, a veces suspendido— permite que el relato respire y, a la vez, golpee. Porque Mazel Toc también es eso: una serie de impactos emocionales que dialogan con la risa y el dolor sin jerarquías.

El recorrido vital de Nico —desde ese niño que a los cuatro años recibe un diagnóstico que no termina de comprender, hasta el adulto que decide narrarse— está tejido con una lucidez que conmueve. El bullying, lejos de quedar encapsulado como “una etapa”, aparece en su dimensión estructurante: como marca, como herida que organiza la forma de estar en el mundo. Sin embargo la obra no se instala en el padecimiento, lo trasciende y lo resignifica.

Hay en Mazel Toc una ética de la resiliencia que no cae en el discurso motivacional ni en la épica fácil. Es una resiliencia trabajada, áspera, conquistada. Una que se construye en la tensión entre la fragilidad y la persistencia. En ese sentido, el espectáculo funciona como espejo y como refugio: quien mira no sólo asiste a la historia de otro, sino que inevitablemente roza la propia.

La impronta del judaísmo, presente como identidad y como tono, suma una capa más a esta experiencia. No como ornamento cultural, sino como una matriz simbólica que dialoga con la memoria, la herencia y la pregunta constante por el sentido.

Lo que hace Litman es, en definitiva, un acto de valentía poco frecuente: poner el cuerpo —literal y metafóricamente— para narrar aquello que muchas veces se oculta. Sin tibieza. Sin concesiones. Con una verdad que desarma.

Mazel Toc no busca la compasión. Busca algo mucho más complejo y necesario: el encuentro. Y en ese encuentro, profundamente humano, el teatro recupera su función más vital: la de recordarnos que incluso en la herida hay posibilidad de belleza.

Meche Martinez

Libro: Nicolás Litman, Fernando Ricco

Actúan: Nicolás Litman

Diseño de escenografía: Marina Alejandra Balduzzi, Fernando Ricco

Realización de escenografia: Marina Alejandra Balduzzi

Realización de pelucas: Mónica Gutierrez

Video: Santiago Piatti

Fotografía: Omar Díaz

Prensa: Daniel Franco

Producción: Sebastián Kirszner

Dirección: Fernando Ricco

(LA PAUSA) TEATRAL
Luis Viale 625 
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 1551232030
Web: http://www.lapausateatral.com.ar
Viernes - 20:30 hs - Hasta el 25/04/2026
Sábado - 18:30 hs - Hasta el 25/04/2026