EL ETERNAUTA, LA SERIE

 

La serie El Eternauta, estrenada en Netflix el 30 de abril de 2025, representa una ambiciosa adaptación del clásico de la historieta argentina creada por Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López. Dirigida por Bruno Stagnaro, reconocido por su trabajo en Okupas, la serie consta de seis episodios que trasladan la historia original a un contexto contemporáneo, manteniendo su esencia de ciencia ficción y crítica social.

La producción, a cargo de K&S Films, se llevó a cabo entre mayo y diciembre de 2023 en diversas locaciones de Buenos Aires, utilizando tecnología de producción virtual para recrear escenarios postapocalípticos. Con más de 50 locaciones y 30 escenarios virtuales, la serie logra una ambientación inmersiva que refleja fielmente la atmósfera opresiva de la obra original.

Ricardo Darín interpreta a Juan Salvo, un veterano de la Guerra de Malvinas que lidera la resistencia contra una invasión alienígena que utiliza una nevada tóxica para exterminar a la humanidad. Su actuación ha sido ampliamente elogiada por su profundidad y emotividad. Carla Peterson, en el papel de Elena, la exesposa de Salvo, aporta una interpretación sólida que enriquece la dinámica emocional de la serie.

El elenco se completa con César Troncoso como Alfredo "Tano" Favalli, Andrea Pietra como Ana, Ariel Staltari como Omar, Marcelo Subiotto como Lucas Herbert y Mora Fisz como Clara Salvo, la hija de Juan, cuyo papel adquiere mayor relevancia en esta adaptación.

La serie ha recibido críticas mayoritariamente positivas, destacando su fidelidad al material original y la calidad de las actuaciones. En Rotten Tomatoes, cuenta con un índice de aprobación del 94%, mientras que en Metacritic ha obtenido una puntuación de 72 sobre 100.

Sin embargo, algunas críticas señalan que la serie podría beneficiarse de un mayor desarrollo en la tensión narrativa y en la claridad de ciertos elementos de la trama. El crítico Carlos Boyero, por ejemplo, mencionó dificultades para entender el acento argentino y una conexión emocional limitada con la historia, aunque reconoció la convincente actuación de Darín.

El Eternauta se presenta como una adaptación respetuosa y actualizada de una obra fundamental de la cultura argentina. Con una producción de alto nivel y actuaciones destacadas, la serie logra transmitir los temas centrales de la historieta original, como la resistencia colectiva y la lucha contra la opresión. A pesar de algunas críticas, se posiciona como una de las producciones más relevantes del año en el ámbito de la ciencia ficción latinoamericana. (Meche Martínez)

 

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El corazón del mundo

 

En la intimidad de la pequeña sala del Teatro del Pueblo, El corazón del mundo de Santiago Loza se despliega como una experiencia sensorial y poética que va más allá del texto. Bajo la dirección de Lautaro Delgado Tymruk y Sofía Brito, la puesta en escena se convierte en una exploración emocional, donde lo político y lo íntimo se entrelazan con delicadeza e intensidad.

La obra parte de una imagen tan brutal como enigmática: un hombre camina solo por la calle y es golpeado sorpresivamente por un vagabundo en la noche. Cae, y antes de tocar el suelo, su cuerpo estalla y, en un instante, vive tres vidas distintas. O quizás más. Nace y muere y vuelve a nacer en otros cuerpos. A veces es uno, y a veces es toda la humanidad. Esta premisa fantástica y filosófica da lugar a una dramaturgia fragmentaria y expansiva, donde lo individual y lo colectivo se confunden en una trama onírica y existencial.

En palabras del propio director Lautaro Delgado Tymruk: “Lo que verán en la obra no es real. O quizás sí, nunca lo sabremos. Verán el estado de inconsciencia del sujeto golpeado o su alma sumergiéndose en distintos cuerpos. Siendo testigo de su muerte, de su nacimiento. Por las bambalinas de la vida. Observando el flujo vital. El corazón del mundo.” Esa idea de umbral, de tránsito entre dimensiones, se vuelve el eje estético y conceptual de la puesta. Delgado confiesa haber investigado efectos ópticos teatrales como el “Pepper Ghost”, un antiguo truco escénico anterior al holograma, utilizado en el teatro del siglo XIX para generar apariciones fantasmales. Ese efecto –basado en reflejos y transparencias– potencia la ilusión de estar frente a un “teatro fantasmático”, donde los cuerpos se vuelven presencias efímeras y transitorias. “Será lo más parecido a crear una tercera dimensión —dice Delgado—, la que se crea entre la relación entre la primera (la real) y la segunda (la virtual). En esa relación se creará la otra, una terceridad.”

La dirección apuesta por un lenguaje escénico híbrido, en el que conviven el minimalismo espacial y la potencia simbólica. El uso del espacio –tan reducido como preciso– es una virtud: cada rincón, cada sombra y cada silencio cobran protagonismo, reforzando la densidad del relato. Brito y Delgado proponen una estética de lo contenido, donde nada está de más, y todo lo que se omite habla tanto como lo que se muestra.

Pero es Guillermo Angelelli quien se convierte en el verdadero corazón del mundo que se presenta ante nosotros. Su actuación es de una humanidad desgarradora y, al mismo tiempo, profundamente contenida. Con una gestualidad mínima y una voz que se quiebra en los momentos justos, logra transmitir una interioridad compleja, frágil y poderosa. Su presencia escénica sostiene y potencia cada escena, volviéndose indispensable para la arquitectura emocional de la obra. Angelelli no actúa: habita, respira y nos hace transitar con ella un viaje donde el dolor, la memoria y la ternura se abrazan sin estridencias.

El corazón del mundo es una propuesta delicada pero punzante, que invita a repensar los afectos, las ausencias y el modo en que se narran las historias más íntimas desde un escenario. Una joya para descubrir en la cercanía de un teatro que, desde su fundación, supo ser testigo del riesgo artístico y la profundidad humana. ¡Muy bueno! (Meche Martínez)

Autoría: Santiago Loza

Actúan: Guillermo Angelelli

Iluminación: Ricardo Sica

Gestión: Teatro Del Pueblo

Prensa: Marcos Mutuverría

Producción general: Sofia Brito, Lautaro Delgado Tymruk

 

TEATRO DEL PUEBLO
Lavalle 3636 
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 75421752
Web: http://www.teatrodelpueblo.com.ar
Lunes - 20:00 hs - Hasta el 30/06/2025

 

Viento Blanco

Una joya poética en el corazón del teatro unipersonal independiente

Los lunes en el Teatro Dumont 4040 ya no son lo mismo desde que Viento Blanco se adueña del escenario. Bajo la impecable dramaturgia de Santiago Loza, la obra se convierte en un soplo helado y ardiente que atraviesa el alma, sostenida por una actuación que roza lo sublime: la de Mariano Saborido.

Dirigido con sensibilidad e inteligencia por Valeria Lois y Juanse Rausch, Saborido encarna a Mario, un hombre que vive con su madre en un hostal perdido en un pueblo del sur. Allí, el tiempo parece detenido, el mar es un eco lejano, y los recuerdos duelen como la brisa helada que sopla sin cesar. En ese limbo suspendido entre lo que fue y lo que no pudo ser, Mario recuerda, espera, canta, arde en su propio deseo de fuga.

La pieza se presenta como un unipersonal, pero está tan colmada de presencias invisibles —el amigo del pasado, la madre, los viajantes, el puerto muerto— que uno sale del teatro con la sensación de haber convivido con todo un pueblo fantasma. Y es ahí donde el trabajo de Saborido se vuelve prodigioso: su cuerpo, su voz, sus silencios y quiebres, dan vida a cada rincón de esa geografía emocional que habita. No actúa: respira a Mario.

Loza nos regala una dramaturgia que conmueve con su lirismo contenido, su hondura y su sencillez: “el mar helado”, “el ardor”, “los cánticos”, “el viento” no son solo paisajes o climas, sino estados del alma. La dirección, lejos de subrayar lo poético, lo potencia con precisión y sutileza, dejando que el texto y el actor hagan su trabajo desde un marco íntimo, esencial.

Viento Blanco no grita, no reclama, no apabulla. Susurra, acaricia, hiere con dulzura. Es de esas obras que nos recuerdan por qué el teatro sigue siendo un arte necesario: porque hay cuerpos como el de Saborido que saben decir lo que a veces no sabemos cómo nombrar.

Una experiencia inolvidable. Una perlita imperdible del teatro independiente. Vayan los lunes al Dumont. Dejen que el viento los atraviese. ¡BRILLANTE! (Meche Martínez)

Dramaturgia: Santiago Loza

Actúan: Mariano Saborido

Diseño de vestuario: Pablo Ramirez

Diseño de escenografía: Rodrigo González Garillo

Diseño de luces: Matías Sendón

Diseño sonoro: Teo López Puccio

Música original: Teo López Puccio

Diseño gráfico: Martín Gorricho

Asistencia De Producción: Florentina Messina

Asistencia de dirección: Mercedes Aranda

Producción ejecutiva: Carolina Castro

Producción general: Compañía Teatro Futuro, Mariano Saborido

Dirección: Valeria Lois, Juanse Rausch

Participaciones

• Este espectáculo formó parte del evento: Fiesta de Teatro CABA 2025

DUMONT 4040
Santos Dumont 4040 
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Web: http://instagram/dumont4040
Domingo - 20:30 hs - Hasta el 25/05/2025
Lunes - 20:00 hs - Del 12/05/2025 al 19/05/2025

Camila Sosa Villada, La traición de mi lengua (2025)

La traición de mi lengua (2025) es una obra de la escritora argentina Camila Sosa Villada que explora la compleja relación entre la memoria, el lenguaje, el erotismo y el pasado. A través de una serie de textos que oscilan entre la ficción y la no ficción, Sosa Villada reflexiona sobre cómo los recuerdos fluyen de manera desordenada, dejándonos vulnerables frente a sentimientos difíciles de controlar. La autora se pregunta si es posible resistirse a la memoria y, como una forma de supervivencia, se aferra a la traición para examinar el lenguaje heredado y cómo este puede ser traicionado o transformado. 

Con una prosa afilada y poética, Sosa Villada cultiva el arte de escribir lo que no se dice, respetando el caos y jugando con la agudeza de pensarse en otro lugar y habitar otra lengua. La obra desafía las fronteras entre la ficción y la no ficción, ofreciendo una mirada introspectiva y profunda sobre la identidad y la expresión.

Camila Sosa Villada, reconocida por su novela Las malas, ganadora del Premio Sor Juana Inés de la Cruz en 2020, continúa en La traición de mi lengua su exploración de temas relacionados con la identidad, el lenguaje y la memoria, consolidándose como una voz destacada en la literatura contemporánea argentina. 

Una de las frases más destacadas de La traición de mi lengua de Camila Sosa Villada es:

“La memoria es el afecto más traidor que existe”. 

Esta cita encapsula el tono introspectivo y poético de la obra, donde la autora reflexiona sobre cómo los recuerdos fluyen de manera desordenada, dejándonos vulnerables frente a sentimientos difíciles de controlar. A través de una serie de textos que oscilan entre la ficción y la no ficción, Sosa Villada explora la relación entre la memoria, el lenguaje, el erotismo y el pasado, cultivando, una vez más, el arte de escribir lo que no se dice.

Si deseas profundizar en el estilo y las temáticas de Camila Sosa Villada, te recomiendo explorar otras de sus obras, como Las malas, donde también aborda con profundidad la identidad, el lenguaje y la memoria.  (Meche Martinez) 

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Personas, Lugares y Cosas

Flor Otero y Nelson Rueda

En Personas, Lugares & Cosas, el escenario se convierte en un campo de batalla emocional donde Emma, una actriz inmersa en su propia tormenta, enfrenta una rehabilitación que va mucho más allá del cuerpo: es una lucha por encontrar sentido en un mundo que no deja de tambalear. Esta obra —intensa, sin concesiones y profundamente humana— plantea una pregunta crucial: ¿cómo sanar cuando lo que nos rodea también está herido?

Florencia Otero asume el rol de Emma con una fuerza interpretativa conmovedora. Su actuación no solo transmite el dolor y la fragilidad de su personaje, sino que también revela su coraje, su lucidez y su particular sentido del humor. Otero encarna con brillantez a una mujer desbordada por la vida, pero con una chispa de resistencia que atrapa desde el primer momento.

En esta nueva temporada, el elenco suma rostros que se integran con precisión y entrega. Estela Garelli sorprende con una triple participación que la posiciona como uno de los pilares del relato. Su naturalidad, su capacidad de metamorfosis y el contraste entre sus personajes generan momentos de verdadero goce teatral, en especial como la terapista grupal, donde combina ternura, alegría y firmeza con una soltura encantadora.

Las actrices María Latzina, Estefanía D’Anna, Roco Sáenz, Fiore Provenzano, Diana Santini y Sara Córdoba, con apariciones más breves, logran dejar una marca imborrable en cada escena. La puesta subraya una verdad escénica fundamental: no existen papeles menores cuando se actúa con entrega.

También merecen destacarse Nelson Rueda —con una presencia que se ha fortalecido y engrandecido en esta temporada—junto con Carlos Kaspar y Santiago Racca,  cada uno con estilos distintos, aportan matices que enriquecen y complejizan aún más la trama.

La dirección de Julio Panno orquesta con precisión este entramado emocional, logrando que cada escena fluya con sentido, tensión y ritmo. La coreografía de Gustavo Carrizo, por su parte, añade una dimensión poética al relato: una corporeidad que expresa lo inefable, lo que duele sin decirse.

Personas, Lugares & Cosas es una experiencia teatral contundente. Una obra que no da tregua, que interpela, que emociona. Y que, gracias a un elenco renovado y vibrante, sigue dejando una huella imborrable en quienes se animan a transitar este viaje de sombras y luz. ¡Hermosa! Muy recomendable. (Meche Martínez)

Funciones: Miércoles a sábados a las 20 horas. Domingos a las 19 horas  Duración: 130 minutos. Valor de las localidades: Platea $ 12.500 miércoles $ 7.000

• Dónde: Teatro Sarmiento,
• Dirección: Av. Sarmiento 2715

 

 

Amor en escena: Las Marull y el río que me lleva

Quedate donde el tiempo dure mas

A ver… ¿qué se puede decir después de haber visto por tercera vez Lo que el río hace?

A veces, el alma no quiere palabras, quiere ritual. Y el mío desde hace tiempo, es ese:
El año se empieza con las Marull.

No importa cuántas obras haya visto —36 desde enero, dicen mis anotaciones teatrales—,
el verdadero comienzo está ahí, donde el río se detiene para contar una historia simple, sencilla como un pan caliente, como un abrazo sin aviso.
El teatro de las Marull no necesita alardes. Tiene algo que me sujeta el pecho y me lo suelta al mismo tiempo.

Vi todo lo que ellas crearon:  La Pilarcita tres veces, Vuelve, Yo no duermo la siesta cuatro, Lo que el río hace, tres. Y no es porque no entienda lo que cuentan, no, es porque cada vez que vuelvo, vuelvo a mí. Me devuelven algo, una parte mía que se había ido con la corriente y que ellas con su río me traen de nuevo.

Las Marull no solo hacen teatro, hacen comunidad, hacen ternura, hacen tiempo detenido, de ese que no se compra con una entrada, ese tiempo en que una quiere quedarse a vivir.

Amo, como una necesidad, a mis artistas, y a algunas como las Marull, les tengo distinción, admiración, reverencia.

En un mundo que a veces lastima, ellas curan, y cuando todo se vuelve ruido, ellas cuentan bajito, y yo escucho, me dejo acunar por su teatro.

Gracias chicas por recordarme que el arte no siempre grita, a veces, apenas susurra… y en ese susurro, una se salva. Las quiero mucho. MECHE MARTINEZ

 

Ana por la ventana

 

Ana por la ventana, escrita por Alfredo Allende y dirigida con delicadeza por Alberto Lecchi, es una de esas obras que logran, con elementos simples, conmover profundamente. La trama gira en torno a Ana, una mujer aparentemente común, cordial y sensible, que transita la vida cumpliendo con lo que se espera de ella. Una mañana lluviosa, un hallazgo mínimo —casi mágico— le permite abrir una ventana hacia lo desconocido, hacia lo que podría ser su vida si se animara a elegir por sí misma. A partir de ahí, se despliega una historia que interroga con suavidad pero con firmeza: ¿es posible cambiar el rumbo de nuestra existencia?

La dirección de Lecchi es una puesta intimista, donde lo cotidiano se carga de belleza y sentido. La elección de los silencios, los tiempos pausados y los gestos mínimos se conjugan para construir un clima emocional profundo, sin caer en el melodrama. Cada escena parece estar pensada para acompañar la transformación de Ana sin forzarla, como si el relato respirara junto a ella.

Pero el verdadero corazón de esta obra es la actuación de Carla Pandolfi. Brillante, sensible, precisa y generosa en escena, Pandolfi compone una Ana entrañable, con una humanidad arrolladora. Su interpretación es memorable: logra que el espectador no solo entienda su dolor y su anhelo, sino que lo sienta en carne propia. Con su trabajo, la actriz convierte a Ana en un espejo donde todos, en algún momento, podemos reconocernos.

Ana por la ventana es una pieza que deja huella. No solo por su mensaje esperanzador, sino por la forma delicada en que lo transmite. Es teatro del bueno, de ese que no grita pero resuena por mucho tiempo. Un llamado poético y necesario a recuperar el deseo, a abrir la propia ventana y mirar, aunque sea un segundo, más allá. ¡Esplendida! (Meche Martínez)

Autoría: Alfredo Allende

Actúan: Carla Pandolfi

Vestuario: Analia Manouelian

Iluminación: Claudio Del Bianco

Peinados: Estudio Jopa

Música original: Rafael Sucheras

Diseño: Nahuel Lamoglia

Fotografía: Nacho Lunadei

Asistencia de dirección: Zulema Villalonga

Prensa: 0KM Prensa

Producción artística: Valeria Azul Baranchuk, Pablo Silva

Producción: Juan Nicolás Broens

Dirección: Alberto Lecchi

 

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960 
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4862-0655
Web: http://www.elcamarindelasmusas.com
Viernes - 22:30 hs - Del 04/04/2025 al 30/05/2025