martes, 4 de junio de 2024

La Maga

 


“Lo único que debe esperar un público de  un mago es que haga lo inesperado” - Harlan Tarbell

"La Maga", obra de Leni González protagonizada por Eugenia Alonso, es un viaje fascinante hacia el corazón de una búsqueda personal y una transformación radical. La pieza narra la historia de Delia Ingenieros, una bióloga que, impulsada por una pasión inusitada, abandona su carrera científica para sumergirse en el mundo de la magia y la prestidigitación. Esta metamorfosis, de la ciencia a la magia, es el eje central que González explora con una pluma vibrante y emotiva.

Eugenia Alonso, quien encarna a Delia/Kamia, entrega una actuación brillante y conmovedora. Abandonar su carrera de bioquímica para dedicarse plenamente a la actuación parece haberla preparado perfectamente para este papel, permitiéndole canalizar las experiencias y emociones de su propia vida en su interpretación. En su primer unipersonal, Alonso demuestra una impresionante capacidad para capturar la esencia de una mujer atrapada entre dos mundos: la lógica y la ilusión.

La dirección de Cecilia Meijide, que también conoce bien los giros inesperados de la vida (su padre dejó la medicina por el arte), aporta una sensibilidad única a la puesta en escena. Su dirección logra mantener un equilibrio delicado entre la realidad y la fantasía, permitiendo que la audiencia experimente el mismo asombro y entusiasmo que Delia siente al entrar en el mundo de la magia.

La obra es, en esencia, un "volantazo en la búsqueda del fuego", como lo describe la propia Leni González. Es un salto valiente hacia lo desconocido, un acto de fe en lo intangible. Delia, que se rebautiza como Kamia, se convierte en una figura casi mítica, una soñadora que persigue una luz que solo brilla mientras se la persigue. Este aspecto de la trama resuena profundamente con la audiencia, invitándola a reflexionar sobre sus propios sueños y las decisiones que los acercan o alejan de ellos.

El guion de González es poético y evocador. Cada línea está cargada de significado, y la narrativa fluye con una elegancia que envuelve al espectador desde el primer momento. La historia de Delia/Kamia no es solo la de una mujer que cambia de profesión; es la historia de una búsqueda de sentido, de la lucha por una vida llena de pasión y emoción, en lugar de conformarse con la frialdad de la lógica científica.

"La Maga" es una obra que brilla tanto por su contenido como por sus interpretaciones. Eugenia Alonso ofrece una actuación que no solo es técnicamente impecable, sino también profundamente humana. La dirección de Meijide aporta una capa adicional de profundidad, haciendo de esta producción una experiencia teatral inolvidable. "La Maga" es una celebración de la capacidad humana para reinventarse y seguir soñando, una oda a aquellos que se atreven a seguir la luz que titila solo mientras corremos tras ella. Brillante. Hermosa. Excelente y de excelencia. (Meche Martínez)

Autoría: Leni Gonzalez

Actuación: Eugenia Alonso

Músico en escena: Pablo Viotti

Asesoramiento en magia: Pablo Kusnetzoff

Escenografía y vestuario: Gabriella Gerdelics

Iluminación: Ricardo Sica

Fotografía: Juan Ferrari

Producción: Pablo López

Prensa y difusión: Caro Alfonso

Asistente de dirección y diseño gráfico: Julieta Kvasina

Dirección: Cecilia Meijide

  • Funciones: sábados 17 hs.
    Duración: 60 minutos
    Teatro El Extranjero
    Valentín Gómez 3380
    Entradas por Alternativa Teatral

  • Prensa:

    Carolina Alfonso

Tardamos diez años en llegar al corazón

 


Maga Rosu nos presenta su ópera prima "Tardamos diez años en llegar al corazón", una obra que surgió en tiempos de pandemia y que finalmente ve la luz en esta temporada. La obra, un drama realista con toques de comedia, se centra en la dinámica de una familia fracturada y en cómo dos hermanas jóvenes intentan restaurar la estabilidad y la felicidad en su hogar.

Desde el inicio, la trama se despliega de manera intrigante: Helena y Juana, dos hermanas en el umbral de la adolescencia, deciden matar a su pez mascota, Naná, una acción que parece inexplicable pero que se revela como una metáfora profunda de su percepción y experiencia del entorno familiar. La mirada de Naná, según las hermanas, las obligaba a confrontar su realidad, un hogar aparentemente normal pero en realidad lleno de soledad, frustración y tristeza.

Rosu construye un ambiente enrarecido y tenso, donde los padres intentan mantener una fachada de normalidad mientras que sus hijas, desde su ingenuidad y creatividad, buscan formas de reorganizar y sanar las relaciones familiares. A través de juegos ingeniosos y a menudo divertidos, Helena y Juana exponen las fragilidades y conflictos de los adultos, revelando la disfuncionalidad subyacente.

Uno de los puntos fuertes de la obra es el tratamiento de las hijas como las verdaderas agentes de cambio dentro de la familia. Este giro de roles, donde los niños actúan como los estabilizadores y guías emocionales de los padres, añade una capa de complejidad y originalidad al drama. Las actuaciones de las jóvenes protagonistas son convincentes y conmovedoras, logrando captar la atención del espectador y generando empatía.

La dirección de Rosu es sólida, con una puesta en escena que aprovecha al máximo el espacio y una utilización efectiva del sonido, cortesía de Gabo Rosujovsky, que marca tiempos y transiciones significativas.

A pesar de algunos altibajos, "Tardamos diez años en llegar al corazón" mantiene el interés gracias a la inventiva de las dos hijas, cuyas acciones y pensamientos ofrecen un despliegue actoral atrapante. El elenco en su totalidad muestra una homogeneidad y convicción en sus roles, lo que fortalece la propuesta integral de Rosu.

"Tardamos diez años en llegar al corazón" es una obra que, aunque podría beneficiarse de una mayor fluidez en ciertos momentos, ofrece un drama potentemente emocional y una reflexión sobre la familia y la búsqueda de estabilidad y felicidad. La capacidad de las hijas para asumir roles de liderazgo emocional en medio de la disfuncionalidad adulta proporciona una perspectiva refrescante y, a menudo, conmovedora. La obra es una prometedora primera incursión de Maga Rosu en el teatro, dejando al público con ganas de ver más de su talento en futuras producciones. Muy buena. (Meche Martinez) 

Obra: Tardamos diez años en llegar al corazónDramaturgia y dirección: Maga Rosu. Intérpretes: Mariano Bassi, Maru Belli, Susana Giannone, Maia Lis y Paula Thieberger. Escenografía: Agustín Justo Yoshimoto. Vestuario: Tus Pochas. Sonido: Gabo Rosujovsky. Iluminación: Gustavo Lista. Asistencia de dirección: Benicio Chendo. Sala: Nün Teatro Bar, Ramírez de Velasco 419. Funciones: miércoles, a las 21.

 

Imposible escribir una línea completa



"Imposible escribir una línea completa" es una obra teatral que invita a la introspección desde el primer momento en que las luces se atenúan en el Teatro Machado. La obra, escrita por Anna Dekuchavsky, Mathias Carnaghi e Irene Braggio, quien también asume la dirección y producción, se presenta como un viaje íntimo a través de una noche de insomnio y crisis existencial.


La puesta en escena se destaca por su capacidad de transformar el espacio del teatro en un rincón privado de la mente del protagonista, interpretado con una entrega absoluta por Mathias Carnaghi. Desde el inicio, el público es llevado a un estado de voyeurismo sensorial, donde la iluminación y la escenografía juegan un papel crucial en crear una atmósfera casi palpable de soledad y autoexamen.


La obra, que transcurre en tres actos, mezcla de manera magistral elementos de drama y comedia. Este enfoque tragicómico permite que los espectadores se conecten emocionalmente con la frustración y el absurdo de la búsqueda de significado del protagonista, al tiempo que encuentran momentos de risa liberadora en sus desvaríos nocturnos. La dirección de Braggio es sensible y precisa, guiando al público a través de los altibajos emocionales con un ritmo que nunca decae.


Un aspecto sobresaliente es la coreografía de Marina Svartzman, que añade una dimensión física a la lucha interna del protagonista. Las secuencias coreográficas son fluidas y emotivas, subrayando las tensiones internas con un lenguaje corporal que complementa perfectamente el monólogo interior del personaje.

El guion, aunque concebido antes de la pandemia, resuena profundamente con las experiencias de aislamiento y reflexión que muchos han enfrentado recientemente. Este contexto post-pandémico añade una capa adicional de relevancia y conexión con la audiencia, haciendo que las preguntas sobre la existencia, la soledad y la búsqueda de propósito se sientan aún más urgentes y universales.

La obra logra crear una intimidad tan palpable que, como bien describe Braggio, el público se siente como si estuviera espiando en la habitación del protagonista. Este nivel de inmersión se ve potenciado por un diseño de iluminación que utiliza sombras y luz tenue para reflejar los estados cambiantes de ánimo y pensamiento.

"Imposible escribir una línea completa" es una pieza teatral que no solo entretiene, sino que también invita a la reflexión profunda sobre la condición humana. Con una actuación formidable de Carnaghi, una dirección inspirada de Braggio y una coreografía conmovedora de Svartzman, la obra es una experiencia sensorial y emocional que deja una impresión duradera. Sin duda, una visita obligada para los amantes del teatro que buscan algo más que una simple representación; una ventana a la intimidad de la lucha humana por encontrar significado en lo cotidiano. Muy buena . Para ver. (Meche Martinez)

AutoríaIrene Braggio, Mathias Carnaghi, Anna Dekuchavsky

Actúan:
Mathias Carnaghi
Creación:
Irene BraggioMathias Carnaghi
Producción general:
Irene BraggioMathias Carnaghi
Coreografía:
Marina Svartzman
Dirección:
Irene Braggio

lunes, 27 de mayo de 2024

La Falcón

 


En el vibrante crisol del tango de los años 20 y 30, resurge con majestuosidad la figura de Ada Falcón, una de las voces más emblemáticas de la música popular argentina. "La Falcón", un musical que se sumerge en la vida de esta legendaria cancionista, nos transporta a una época dorada, repleta de pasión, amor y melancolía, todo al ritmo del bandoneón.

La obra, ambientada en un cabaret que emula con precisión los salones donde Ada desplegaba su arte, invita al espectador a una experiencia inmersiva. Desde el primer momento, el espacio teatral, con mesas vestidas de paño rojo y veladores encendidos, ofrece una atmósfera íntima y nostálgica, mientras los espectadores pueden disfrutar de ese ambiente, tal como se hacía en aquellos días de esplendor del tango.

"La Falcón" no es solo una representación de la vida de Ada Falcón, sino un delicado bordado de su romance con Francisco Canaro, hilvanado con los tangos que este compositor creó inspirado por ese amor. La narrativa de Augusto Patané fluye entre canciones que marcan hitos en la carrera de Ada y escenas que desnudan su vida privada, revelando las luces y sombras de una relación intensa y apasionada. La puesta en escena de la genial Cinthia Miraglia se adentra en la psicología de sus personajes, ofreciendo una interpretación de María Colloca, Florencia Craien, Mónica Driollet, Federico Justo, Carlos Ledrag, Victoria Paez,  rica en matices que va más allá del simple homenaje biográfico.

La actuación, caracterizada por una fidelidad histórica en el vestuario y los modales, logra captar la esencia de una época donde el tango no solo era música, sino una forma de vida. Las canciones, interpretadas con una entrega conmovedora, incluyen clásicos como "Yo no sé qué me han hecho tus ojos" y "La morocha", cada una de ellas resonando con la autenticidad de una era irrepetible.

La dirección artística ha logrado un equilibrio perfecto entre el drama y la música, permitiendo que cada tango no solo actúe como un interludio musical, sino como un medio para avanzar en la narrativa y profundizar en la caracterización de Ada y Canaro. La química entre los protagonistas es palpable, sus actuaciones se complementan y se potencian, creando momentos de verdadera magia escénica.

"La Falcón" es más que un espectáculo, es un viaje en el tiempo, una ventana a un mundo donde el tango reinaba y las historias de amor eran tan apasionadas como las melodías que las acompañaban. La obra consigue capturar la esencia de Ada Falcón, “la emperatriz del tango”, en toda su complejidad y esplendor, ofreciendo al público no solo una velada de entretenimiento, sino una experiencia cultural profunda y evocadora.

Esta obra es un tributo vibrante y emotivo a una de las grandes voces del tango, una celebración de una época y una historia de amor que sigue resonando en los corazones de quienes la descubren. Un musical que, sin duda, dejará una marca indeleble en todos aquellos que se dejen llevar por su melódica nostalgia. Excelente! Brillante! Muy conmovedora- (Meche Martinez)

Dramaturgia: Augusto Patané

Actúan: María Colloca, Florencia Craien, Mónica Driollet, Federico Justo, Carlos Ledrag, Victoria Paez

Arreglos musicales: Florencia Craien, Carlos Ledrag

Diseño y realización de vestuario: Paula Molina

Diseño y realización de escenografía: Víctor Salvatore

Diseño De Iluminación: Cintia Miraglia

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño gráfico: Cintia Miraglia

Prensa: Natalia Bocca

Productor comercial: Augusto Patané

Producción en gira: Alejandra García

Dirección: Cintia Miraglia

 

Funciones: sábados a las 20hs.
Teatro El Extranjero.
Valentín Gómez 3378. CABA


Hermanas de Sangre


"Hermanas de Sangre", escrita y protagonizada por Jessica Schultz, es una obra que cautiva desde el primer momento con su mezcla equilibrada de comedia y drama. La obra, que también cuenta con la destacada y sorprendente actuación de Estela Garelli en comedia y la brillante dirección de Carlo Argento, se presenta en el escenario de Hasta Trilce, donde el público puede sentir cada emoción y cada conflicto de las protagonistas.

La trama, ambientada en los emblemáticos años 60, sigue a dos hermanas en medio del duelo por la reciente muerte de su madre. Mientras intentan repartir la herencia, las diferencias en sus interpretaciones de la historia familiar y las decisiones tomadas por sus padres salen a relucir. Estos desencuentros desatan una serie de revelaciones y confrontaciones que no solo son tensas y emotivas, sino que también están impregnadas de un sutil humor que aligera la carga dramática sin restarle profundidad.

Las actuaciones de Schultz y Garelli son realmente maravillosas. Schultz, con su capacidad para transmitir una amplia gama de emociones, logra que su personaje sea tanto entrañable como complejo. Garelli, por su parte, ofrece una interpretación hermosa que contrasta perfectamente con la de Schultz, logrando que cada escena compartida sea un auténtico duelo interpretativo cargado de verdad y pasión.

La dirección de Carlo Argento es otro de los puntos fuertes de la obra. Argento maneja con maestría los ritmos de la comedia y el drama, permitiendo que cada momento de tensión se desarrolle de forma natural y que cada broma o comentario humorístico encuentre su espacio sin forzar la narrativa. Su visión ayuda a que la historia fluya de manera coherente y mantiene al público enganchado de principio a fin.

La ambientación de los años 60 está exquisitamente lograda. La composición y recreación de época son maravillosas, transportando al espectador a esa década de cambios y vientos de libertad. El vestuario, diseñado por Juan Miceli, es un verdadero deleite visual que capta la esencia de la época con precisión y estilo. La música de Diego Mizrahi, por otro lado, acompaña perfectamente la narrativa, subrayando los momentos claves con una sensibilidad que enriquece la experiencia teatral.

"Hermanas de Sangre" es una obra que no solo destaca por sus impresionantes actuaciones y su impecable dirección, sino también por su capacidad para tocar temas universales como el duelo, la familia y los secretos, en un contexto histórico rico y evocador. Es una experiencia teatral que deja una profunda impresión y que merece ser vista por cualquier amante del buen teatro. Muy buena (Meche Martinez) 

Maria es Callas

 


"María, es Callas" de Adriana Tursi es una joya teatral que ofrece un retrato íntimo y devastador de la legendaria soprano María Callas. La obra se centra en la compleja y turbulenta relación entre Callas y el magnate griego Aristóteles Onassis, un vínculo que no solo definió una parte significativa de la vida de la diva, sino que también contribuyó a su trágica caída.

Adriana Tursi, con su aguda percepción del universo femenino, dibuja con maestría un momento crucial en la vida de Callas. En un lapso breve pero profundamente impactante, la dramaturga logra capturar la esencia de una mujer que, a pesar de su talento y éxito, fue vulnerable a los embates de un amor destructivo. Tursi tiene el don de encapsular en escenas concisas y poderosas, la complejidad emocional de sus personajes femeninos, ofreciendo al público una ventana a sus almas con una sinceridad que conmueve.

Bajo la dirección de Tatiana Santana, la obra se presenta con una sencillez escénica que resalta la fuerza del texto y las interpretaciones. Santana, a pesar de su juventud, demuestra una madurez artística notable al optar por una puesta en escena minimalista. Su enfoque permite que la intensidad dramática emerja de los actores mismos, sin distracciones innecesarias, creando un espacio donde la voz y el gesto se convierten en los protagonistas indiscutibles.

En el corazón de esta producción, Natalia Cociuffo brilla con una fuerza interpretativa impresionante. Conocida por su talento en los musicales, Cociuffo canaliza toda su energía en la interpretación de Callas, ofreciendo una actuación que es a la vez feroz y vulnerable. Su capacidad vocal y su presencia escénica se alinean perfectamente con el personaje, haciendo que cada palabra y cada nota resuenen con autenticidad y poder. Cociuffo captura la esencia de Callas no solo en su apogeo artístico, sino también en su dolor más profundo.

El acompañamiento de las "voces" de Pedro Frías, Sol Agüero y Verónica Pacenza añade una capa adicional de profundidad a la obra. Frías, con su presencia magnética y su voz rica, se destaca particularmente, pero es el trabajo conjunto de este trío lo que realmente eleva la producción de Adriana Yasky.

Maravillosa la dirección y coordinación musical de Rony Keselman, que vuelva su sensiblilidad como tantas otras creaciones.

Bailan, cantan y actúan con una sincronización y un entendimiento que no solo complementan a Cociuffo, sino que también enriquecen la narrativa, guiando al público a través de los pasajes más oscuros y luminosos de la historia.

"María, es Callas" no es solo un homenaje a una de las figuras más icónicas de la ópera, sino también una reflexión sobre la fragilidad humana y la búsqueda desesperada de amor y reconocimiento. Tursi y Santana, junto con un elenco excepcional, logran traer a la vida una época marcada por el sufrimiento y la pasión, recordándonos la eterna resonancia de María Callas en nuestro imaginario colectivo. Esta obra, en su profundidad y belleza, es un testimonio conmovedor del poder del teatro para explorar y celebrar la condición humana. Muy buena (Meche Martínez)



Texto: Adriana Tursi

Actúan: Sol AgueroNatalia CociuffoPedro Frías YuberVerónica Pacenza

Actores reemplazo: Pilar Rodriguez Rey

Peinados: Guillermina Fernández

Caracterización: Uriel Cistaro

Diseño de maquillaje: Adam Efron

Diseño de vestuario: Uriel Cistaro

Realización de maquillaje: Flora Makeup

Diseño de escenografía: Alejandro Mateo

Realización de vestuario: Patricio DelgadoSandra Ligabue

Sonido: José "Poty" Frías

Diseño De Iluminación: Iván Nirich

Fotografía: Nacho LunadeiAgustina LuzniakSol Schiller

Diseño gráfico: Ariel NesterczukRamiro Viveros Calle

Asistencia de dirección: Julieta Tucci

Producción ejecutiva: Adriana Yasky

Producción: Feldman - Santacruz Producciones

Coreografía: Valeria Narvaez

Dirección musical: Rony Keselman

Dirección general: Tatiana Santana

Composición: Rony Keselman

 

TEATRO DEL PUEBLO
Lavalle 3636 Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 1141681505 Web: http://www.teatrodelpueblo.com.ar
Entradas desde: $ 7.000,00 – en junio, Lunes 20 hs

 

 

sábado, 11 de mayo de 2024

600 gramos de olvido

 


En los dorados momentos de la adolescencia, cuando la brisa de la libertad aún no había desplazado los susurros de la inocencia, se erigían años que hoy reverberan como destellos de luz en el túnel del tiempo. Aunque teñidos por el luto imborrable de 1976, aquellos días resplandecían con la promesa inquebrantable del porvenir, donde cada sueño era un lienzo en blanco y cada anhelo, una estrella por alcanzar.

En "600 gramos de olvido", Claudia y Pablo, encarnados magistralmente por Alexia Moyano y Nelson Rueda respectivamente, personifican la esencia misma de la juventud en flor, de los "pibes" que fueron y que, en su crecimiento, reflejan el de toda una generación.

La puesta en escena, concebida con maestría por Marcelo Moncarz, se despliega con una elegancia minimalista, evocando únicamente dos pupitres, un giradiscos Winko de época y vestimentas que hunden sus raíces en la sencillez de aquellos años inolvidables. Quien haya nacido en los sesenta y atravesado los setenta, seguramente sentirá la vibración de la época a través de la selección cuidadosa de filmes y la elección de la banda sonora, tal vez debatiendo entre la música de Rod Stewart y otros íconos de la época, en una danza efervescente en la que la vida se entrega como un baile alegre. La sensatez de Tom CL al musicalizar, suma al contexto y el lenguaje.

En el tejido de los afectos y los desvelos adolescentes, Claudia y Pablo edifican su universo, cimentando sus lazos en debates ideológicos y reflexiones profundas sobre el sentido de la existencia. ¿Qué hacer con el alboroto de las hormonas? ¿Cómo reconciliar las creencias religiosas con la vorágine de la juventud? Estas son algunas de las preguntas que laten en el corazón de esta obra, en la cual el amor se erige como la piedra angular sobre la cual se yergue el edificio de la vida.

Claudia, con su pasión desbordante por la literatura y el cine, cautiva a Pablo, y juntos tejen sueños que desafían los límites del tiempo. Esta es la genialidad del guion de Daniel Dalmaroni y la dirección brillante y sensible de Marcelo Moncarz, quienes logran encapsular el devenir de una pareja en el crisol de la adolescencia, sin necesidad de cambiar atuendos ni decorados. El espectador, testigo del vuelo de sus voces y la evolución de sus posturas, asiste al paso del tiempo como un testigo silente, comprendiendo que, aunque los años traigan consigo nuevas inquietudes y decisiones, el verdadero peso recae en las elecciones que forjan nuestro destino.

"600 gramos de olvido" no es solo una obra teatral, es un viaje introspectivo a través de los recovecos del alma adolescente, un recordatorio de que, en el fragor de la juventud, cada decisión pesa tanto como un mundo entero de emociones y recuerdos. Excelente y Para ver más de una vez. (Meche Martínez)

 


Autor: Daniel Dalmaroni

Actúan: Alexia Moyano, Nelson Rueda

Vestuario: Alejandro Mateo

Escenografía: Alejandro Mateo

Iluminación: Claudio Del Bianco

Música: Tom CL

Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia

Asistencia de dirección: Antonella Ciuffo Mathieu

Producción ejecutiva: Adriana Yasky

Dirección: Marcelo Moncarz

Duración: 70 minutos

Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos

TEATRO DEL PUEBLO

Lavalle 3636

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Reservas: 1141681505

Web: http://www.teatrodelpueblo.com.ar

Entradas desde: $ 7.000,00 - Domingo - 16:30 hs - Hasta el 26/05/2024

 

 

La Maga

  “Lo único que debe esperar un público de  un mago es que haga lo inesperado”  - Harlan Tarbell "La Maga", obra de Leni Gonzá...