Los pilares de la sociedad

 

Hay textos que no envejecen: mutan de máscara. Los pilares de la sociedad, de Henrik Ibsen, es uno de ellos. Lo que en su origen fue una denuncia frontal a la hipocresía de la burguesía decimonónica, hoy resuena como un espejo incómodo de nuestras propias tramas de poder, prestigio y simulacro.

Karsten Bernick —empresario próspero, dueño de astillero, alcalde ejemplar— es el modelo del hombre recto. Un “pilar”. Filántropo, moralista, referente social. Pero Ibsen, que inaugura aquí su realismo crítico, no escribe para consagrar estatuas sino para fisurarlas. Y en esa grieta aparece Johan Tonnesen, el cuñado que vuelve, el fantasma del pasado que amenaza con revelar negocios turbios y una ética sostenida por el cálculo y la omisión. La obra no solo denuncia: pone a sus criaturas en el borde del precipicio, allí donde el melodrama exige acción y la verdad, para que algo cambie, debe hacerse pública.

La adaptación de Juan Carlos Fontana, Martín Seefeld, Carolina Solari y Jorge Suarez arranca sólida. No traiciona la arquitectura ibseniana, pero la acerca con inteligencia a un pulso contemporáneo. Hay ritmo, hay tensión progresiva, hay una comprensión cabal del dispositivo dramático: el secreto como motor, la reputación como moneda, la verdad como amenaza.

El elenco es memorable. Antonia Bengoechea, Mara Bestelli, Susana Gianonne, Alfredo Castellani, Daniela Catz y Gerardo Chendo sostienen la trama con oficio y matices. Pablo Finamore, Edgardo Moreira, Agustín Suarez y Fernando Sureda se lucen con contundencia, delineando personajes que no son meros satélites del conflicto central sino engranajes necesarios de esa maquinaria social que Ibsen disecciona.

Y luego están ellos: Martín Seefeld y Eleonora Wexler.

Seefeld —gran simulador en escena— compone un Bernick que sorprende. No lo construye como un villano plano, sino como un hombre atrapado en su propia red de prestigio. Hay en su trabajo un vaivén entre la soberbia del poder y el temblor del descubierto. Su caída no es estridente; es progresiva, casi íntima, y por eso más devastadora.

Wexler, en cambio, irrumpe con una presencia que arrasa. Entra y el aire cambia. Su halo escénico es innegable. Podría decirse, sin exagerar, que lo hace una y otra vez muy bien; pero aquí hay algo más: una densidad emocional que trasciende el texto. Cada palabra parece venir de una verdad interna ya transitada. Y cuando el final convoca a la catarsis, el aplauso de pie no es un gesto automático: es la respuesta orgánica a una actuación enorme.

La dirección de Jorge Suarez es correcta, poética y ajustada. No busca deslumbrar con artificios sino acompañar el conflicto con precisión. Hay equilibrio entre lo íntimo y lo político, entre la denuncia social y el drama familiar. La puesta entiende que el verdadero escándalo no es el negocio turbio sino la estructura que lo sostiene y lo celebra.

En tiempos donde los “pilares” siguen erigiéndose sobre discursos de rectitud mientras esconden dobleces, Ibsen vuelve a ser contemporáneo. Esta versión lo confirma: el teatro, cuando se atreve a correr el velo, no solo representa la sociedad; sino que la interroga. (Meche Martínez)

 Autoría: Henrik Ibsen

Adaptación: Juan Carlos Fontana, Martín Seefeld, Carolina Solari, Jorge Suarez

Actúan:  Antonia Bengoechea, Mara Bestelli, Alfredo Castellani, Daniela Catz, Gerardo Chendo, Lolo Crespo, Pablo Finamore, Susana Giannone, Donata Girotti, Luis Longhi, Edgardo Moreira, Gilda Scarpetta, Martín Seefeld, Agustín Suárez, Fernando Sureda, Eleonora Wexler

Diseño de vestuario: Laura Singh

Diseño de escenografía: Marlene Lievendag, Micaela Sleigh

Diseño sonoro: Betty Gambartes, Diego Vila

Diseño De Iluminación: Ricardo Sica

Fotografía: Carlos Furman

Asistencia de escenografía: Maia Doudchitzky

Asistencia de iluminación: Diego Becker

Asistencia de vestuario: Héctor Ferreyra

Coordinación De Talleres De Escenografía: Guadalupe Borrajo

Coordinación De Producción Artística: Juliana Ortiz

Coordinación De Vestuario: Sofía Davies

Coordinación De Producción Técnica: Ana Carolina García

Colaboración artística: Carolina Solari

Coordinación técnica: Juan Cruz Muños López, Charly Quiroga

Dirección Adjunta: Eduardo Gondell

Dirección general: Jorge Suarez

 

Teatro Alvear, funciones: Miércoles a sábados, 20 horas. Domingos 19 horas

 

La Roca

 

Empiezo por decir que La Roca, el unipersonal que interpreta Nelson Rueda, con dramaturgia de Ariel Gurevich, y que se presenta en el Espacio Callejón, es una experiencia profundamente intimista.

Al ingresar a la sala, lo primero que se percibe es un escenario despojado (escenografía de Leandra Rodríguez). Muy despojado. Una lona gris, similar a esas que uno extiende en la playa para tomar sol, ocupa el espacio. Esa aparente simpleza se resignifica con el correr de los minutos: esa lona se transforma en superficie de proyección, en territorio de memoria, en pantalla donde las imágenes comienzan a dialogar con el presente.

La obra podría inscribirse dentro de la dramaturgia del yo. Nelson evoca a su padre en los pocos años que pudo disfrutarlo. Esa es la línea central del relato. A partir de allí se despliegan emociones cruzadas: intensas, profundas, conmovedoras.

En un momento aparece la madre (Irma Turturro) en un registro audiovisual, trayendo al presente a ese “Tito” que fue su esposo y el padre de sus hijos. Allí se abre una pregunta inevitable: cuánto hay de Tito en Nelson. Cuánto de ese padre ausente vive hoy en el actor adulto que lo recuerda. Con enorme generosidad, la madre señala lo que significó esa ausencia en la vida de su hijo, y la obra no esquiva esa herida, sino que la abraza.

Hay un momento particularmente emotivo cuando Nelson se pregunta si su padre lo habrá visto actuar. Y uno, desde la butaca, casi necesita consolarlo: claro que sí. Donde esté, lo vio.

Quienes conocemos a Nelson —y también a sus hermanas— advertimos que el retrato que construye del padre funciona como un espejo del Nelson de hoy: la frescura, el humor, la calidez. Porque si algo atraviesa la obra es el humor. Un humor que no banaliza el dolor, sino que lo humaniza.

El dispositivo escénico le permite dialogar con la pantalla, con la imagen de la madre, con la evocación del padre, volviendo esa ausencia una presencia casi tangible. Por momentos, uno puede imaginar cómo era ese papá y eso es un logro enorme.

La Roca es, sin duda, una obra que le calza perfectamente a Nelson Rueda. Más allá de que se trate de su propia historia —y todos los artistas, en algún punto, tienen su unipersonal—, cuesta imaginar uno más honesto y más ajustado a su esencia que este.

Con dramaturgia sensible y precisa de Ariel Gurevich, el recorrido que propone la obra termina siendo un espejo del propio Nelson: su identidad, su memoria, sus valores, su manera de estar en el mundo. Se presenta los sábados a las 20 horas en el Espacio Callejón y es para ver, y volver a ver sin dudas. 

Meche Martínez

 

Dramaturgia: Ariel Gurevich

Actúan: Nelson Rueda

Participación: Irma Turturro

Diseño de vestuario: Roberta Pesci

Diseño de escenografía: Leandra Rodríguez

Edición de video: Ivan Putincew

Música: Sebastián Giraudo

Diseño De Iluminación: Leandra Rodríguez

Diseño De Video: Elías Díaz Hernández, Carolina Rolandi

Fotografía: Nacho Lunadei

Diseño gráfico: Mercedes Nassivera

Asistencia de escenografía: Susana Zilbervarg

Asistencia de iluminación: Susana Zilbervarg

Prensa: Carolina Alfonso

Producción ejecutiva: Adriana Yasky

Diseño de coreografia: Marina Svartzman

Dirección: Ariel Gurevich

Agradecimientos:

Dirección General De Enseñanza Artística (dgeart), Martín Cabrales, Ale Casavalle, Guillermo Jacobson, Florencia Otero, Daniela Pantano, Santiago Racca, Adrian Sigot Bouvier, Gaston Zambon

ESPACIO CALLEJÓN
Humahuaca 3759 
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 1141681505
Web: https://www.instagram.com/espacio_callejon/
Entrada: $ 20.000,00 / $ 18.000,00 - Sábado - 20:00 hs - Hasta el 21/03/2026

 

 

 

Astor, Piazzolla Eterno

 

 

Hay rituales que una guarda durante años como una promesa íntima. Conocer el Teatro Colón era, para mí, uno de ellos. No bastaba con entrar: había que hacerlo con el corazón dispuesto. Vestirse hermoso, perfumarse, mirarse al espejo y sentir que una también pertenece a esa ceremonia cultural que el Colón impone y regala. Si ese bautismo iba a suceder, qué mejor que de la mano de Emiliano Dionisi, con un homenaje a Astor Piazzolla.

Así llegué a “Astor, Piazzolla Eterno”, y lo que encontré no fue sólo un espectáculo: fue una experiencia estética total, una celebración amorosa y profundamente argentina.

El Colón, con su acústica perfecta y su arquitectura que respira historia, se transformó en el escenario ideal para ese cruce delicado entre realidad, música y sueño que propone la obra. Dionisi no presenta un concierto ilustrado ni una biografía lineal: construye un viaje al inconsciente de Piazzolla. A su pulso creativo, su contradicción, su fuego. Allí donde el artista se vuelve carne y a la vez mito.

La dramaturgia y la puesta en escena revelan una inteligencia sensible. Hay una comprensión profunda del legado piazzolliano, pero también una osadía poética para resignificarlo. Dionisi tiene esa rara virtud: crear desde el amor. Y cuando el arte nace de ese lugar, sucede lo inevitable: todo vibra, todo respira, todo emociona. ¿Será por eso que le sale tan bien? Porque no hay cálculo frío; hay entrega.

En escena, la música es columna vertebral y latido. La orquesta en vivo —con la dirección y música de Nicolás Guerschberg— es un acontecimiento en sí misma. Se aplaude de pie a Lucio Balduini, Daniel Falasca, Serdar Geldirmurado, Alejandro y Nicolás Guerschberg, Francisco Huici, Paula Pomeraniec y Sara Ryan. Cada nota no sólo suena: atraviesa. La acústica del Colón hace lo suyo, claro, pero hay algo más: una comunión absoluta entre músicos y material. Piazzolla vuelve a ser presente.

Y qué decir de los cuerpos. Alejandro Andrián y Victoria Galoto bailan y la descosen. El tango deja de ser postal para convertirse en tensión, deseo, ruptura. El movimiento dialoga con la música como si ambos hubieran nacido juntos. Hay potencia, hay riesgo, hay una fisicalidad que electriza.

El elenco vocal y actoral —Natalia Cociuffo, Federico Llambí, Belén Pasqualini, Rodrigo Pedreira, Nacho Pérez Cortés y Alejandra Perlusky— sostienen con talento y presencia una narrativa que exige versatilidad y verdad. Cantan, actúan, encarnan. No ilustran a Piazzolla: lo atraviesan. Cada intervención suma una capa más a ese retrato emocional que la obra va componiendo.

La excelencia también se percibe en los detalles: la escenografía de Tato Fernández aporta lujo y profundidad visual; el vestuario de Jorge López es elegante y preciso; la producción del Teatro Colón junto a RGB Entertainment confirma que cuando las grandes instituciones apuestan al talento genuino, el resultado es memorable.

Pero en el centro está Dionisi. Autoría, puesta en escena y dirección confluyen en una mirada clara y generosa. Él sigue construyendo arte y teatro desde el amor, expandiendo los límites de lo posible, demostrando que la tradición no es un museo sino un territorio vivo. En el Colón —ese templo que impone respeto— logró algo difícil: hacerlo latir contemporáneo.

“Astor, Piazzolla Eterno” no es sólo un homenaje. Es una reafirmación de identidad cultural. Es recordar que Piazzolla emocionó, emociona y emocionará al mundo porque tocó una fibra esencial del ADN argentino. Es confirmar que hoy tenemos creadores capaces de dialogar con esa herencia sin achicarse.

Salí del teatro con el corazón expandido. Con la sensación de haber asistido a algo irrepetible. Con la certeza de que el deseo cumplido —conocer el Colón así, de esta manera— fue un regalo inmenso.

Sí: “Astor, Piazzolla Eterno” es el espectáculo del año en nuestro amado Teatro Colón. Cuando el arte alcanza esta altura, lo único que queda es agradecer de pie. (Meche Martínez) 

 

Autoría: Emiliano Dionisi

Orquesta: Lucio Balduini, Daniel Falasca, Serdar Geldirmurado, Alejandro Guerschberg, Nicolás Guerschberg, Francisco Huici, Paula Pomeraniec, Sara Ryan

Intérpretes: Natalia Cociuffo, Federico LLambí, Belen Pasqualini, Rodrigo Pedreira, Nacho Pérez Cortés, Alejandra Perlusky

Bailarines: Alejandro Andrián, Victoria Galoto

Diseño de vestuario: Jorge Lopez

Diseño de escenografía: Tato Fernandez

Diseño De Sonido: Rodrigo Perret Lavecchia, Juan Pablo Recio

Visuales: Tato Fernandez

Microfonista: Abril Bebchuk

Stage Manager: Alejandro Pellegrino

Operación de luces: Santiago Cámara

Operación de sonido: Hernán Altamirano

Operación de video: Agustín García

Diseño De Iluminación: Santiago Cámara, Mariano Demaría

Comunicación: Vanesa Bafaro

Diseño gráfico: Lucila Gejtman

Asistencia coreográfica: Cesar Peral

Asistencia de vestuario: Analia Morales

Asistencia técnica: Alejandro Pellegrino

Asistencia de dirección: Carolina Basaldúa

Arreglos corales: Francisco Martínez Castro

Prensa: Vanesa Bafaro, Juan Gutiérrez Arana

Arreglos musicales: Nicolás Guerschberg

Producción ejecutiva: Natalia Perez Vische

Producción general: Teatro Colón, Rgb Entertainment

Supervisión De Producción: Alan Gejtman

Dirección de Producción: Matías Baraviera

Diseño de coreografia: Soledad Buss

Puesta en escena: Emiliano Dionisi

Dirección musical: Nicolás Guerschberg

Dirección técnica: Paz Zavaleta

Dirección De Orquesta: Nicolás Guerschberg

Dirección artística: Tato Fernandez

Dirección: Emiliano Dionisi

TEATRO COLÓN
Cerrito 618 - CP 1010 
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: (54-11) 4378-7100
Web: http://www.teatrocolon.org.ar
Domingo - 18:00 hs - Hasta el 28/02/2026
Martes, Miércoles, Jueves y Viernes - 21:30 hs - Hasta el 28/02/2026

Sábado - 20:30 hs - Hasta el 28/02/2026