1850. El último agosto

 1850. El último agosto, de Pablo Müller, con dirección de Norberto Gonzalo, se adentra en un territorio complejo y siempre desafiante: el teatro histórico. Llevar al escenario una figura como José de San Martín exige mucho más que reconstruir una época; implica encontrar al hombre detrás del personaje y evitar que la historia quede atrapada en el bronce.

La obra propone ese desplazamiento hacia lo íntimo, a través del encuentro ficcional con Tomás Guido y la presencia de Mercedes. En ese entramado, Guido D´Albo y Patricia Rozas aportan matices y sensibilidad a una historia donde la palabra, los recuerdos y los vínculos adquieren protagonismo.

Hermosa construcción de la escenografía de Alejandro Mateo, con realización de Patricio Gonzalo es muy bella y para destacar, tanto arte de época en escena, enaltece el Teatro La Mascara.

Una propuesta que encuentra en la dimensión humana de sus personajes su principal búsqueda y nos invita a mirar la historia desde otro lugar: no solamente desde las gestas que construyeron una nación, sino también desde las emociones y contradicciones de quienes las protagonizaron.

Meche Martínez

 

Autoría: Pablo Müller

Versión Escénica: Norberto Gonzalo

Actúan: Jorge Capussotti, Guido D’Albo, Patricia Guillermina Rozas

Diseño de vestuario: Alejandro Mateo

Diseño de escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de luces: Norberto Gonzalo

Realización escenográfica: Patricio Gonzalo

Realización de objetos: Agustin Valle

Fotografía: Ana Maria Ferrari, Walter Cesar Remus

Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia

Asistencia de dirección: Patricio Gonzalo

Prensa: Natalia Bocca

Producción ejecutiva: Claudia Díaz

Dirección: Norberto Gonzalo

Composición Musical: Federico Gamba, Javier Müller

 

Sábados 21 hs, Teatro La Mascara, Piedras 736, Caba

 

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Hanukkah

 

HANUKKAH: cuando el amor se convierte en una forma de rescate

Hay obras que se miran y obras que, de pronto, nos miran a nosotros. Hanukkah pertenece a esas experiencias teatrales que trascienden el escenario para instalarse en un lugar mucho más profundo: el de la memoria, los afectos y la fragilidad de los vínculos humanos.

En este biodrama unipersonal, Diego Hodara abre las puertas de su propia historia familiar y nos invita a recorrer cincuenta años de vida atravesados por la ausencia, la distancia, la enfermedad y, sobre todo, el amor entre hermanos.

La pérdida temprana de una madre, la separación de dos hermanos, la distancia geográfica, Israel, un diagnóstico y un mundo atravesado por la pandemia y la guerra, el territorio de una historia que podría quedar atrapada en el dolor. Sin embargo, sucede algo extraordinario: el teatro la transforma en una experiencia de enorme humanidad.

Con dramaturgia de Diego Hodara y la valiosa intervención de Sofía González Gil en la escritura, y bajo su brillante dirección, la obra encuentra una forma escénica sensible, honesta y profundamente generosa.

Hodara no solamente cuenta una historia: se entrega a ella. Su voz, su intensidad interpretativa y su presencia construyen un relato que conmueve sin buscar artificios. Hay una verdad que atraviesa cada palabra, cada silencio, cada gesto. Una verdad que no necesita explicarse porque se vuelve palpable.

Allí reside, quizás, uno de los mayores hallazgos de este unipersonal: conocemos a Miguel sin que Miguel esté físicamente en escena. Lo vamos descubriendo a través de la mirada amorosa de su hermano, de sus recuerdos, de sus heridas y de esa obstinación conmovedora de quien no renuncia a buscar, acompañar y rescatar a alguien que ama.

Hay una ternura inmensa en esa manera de traer al otro a escena. Porque, en definitiva, Hanukkah también habla de quienes permanecen, de quienes sostienen, de quienes se animan a atravesar fronteras —geográficas y emocionales— para no abandonar a alguien en su oscuridad.

Es un teatro generoso. De esos que no se guardan nada, que se despojan de la representación para ofrecernos algo genuino. Cuando la realidad se encuentra con el arte de esta manera, el espectador deja de ser un simple observador: se convierte en testigo, en cómplice, en alguien que también lleva consigo un pedacito de esa historia. Con esa emoción que no termina cuando se encienden las luces de la sala, porque hay relatos que siguen trabajando dentro nuestro mucho después del aplauso.

Hay algo que el teatro todavía puede hacer como pocas cosas: recordarnos que, aun en medio de las mayores oscuridades, el amor puede convertirse en una luz que nos ayude a encontrar el camino de regreso. Una obra para ver, sentir y agradecer.

Meche Martínez

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Libro: Sofía González Gil, Diego Hodara

Intérpretes: Diego Hodara

Diseño de escenografía: Nicolás Araniz

Diseño visual: Moreno Pereyra

Música original: Francisco Ruiz Barlett

Diseño De Iluminación: Santiago Cámara

Asistencia técnica: Lucia Miorelli

Asistencia de dirección: Manuela González Gil

Producción ejecutiva: Romina Ciera

Productor asociado: Diego Berman

Dirección: Sofía González Gil

 

NÜN TEATRO BAR

Juan Ramírez de Velasco 419

Villa Crespo – Caba – Argentina

MIERCOLES 21 HS del 04/11/2026 al 25/11/2026

 

 

Visitando al Sr Green

 

Hay encuentros que cambian una vida. Y hay obras que nos cambian la mirada.

Visitando al Sr. Green pertenece a esa última categoría: la de las historias que nos recuerdan que, detrás de cada puerta cerrada, hay un universo esperando ser descubierto.

En el corazón de esta historia, escrita por Jeff Baron, dos hombres, dos generaciones y dos maneras de habitar el mundo se encuentran casi por “accidente”. Ross Gardiner debe visitar semanalmente al Sr. Green, un hombre mayor, viudo y aferrado a sus rutinas, después de un episodio que los reúne por mandato judicial. Lo que comienza como una obligación se convierte, lentamente, en un territorio de revelaciones, resistencias y ternura.

Jorge Suárez y Facundo Arana están brillantes. Son dos actores potentes, de una entrega que conmueve, capaces de desdoblarse en escena y regalarnos personajes que respiran, duelen, se defienden y, finalmente, se permiten sentir. Hay algo profundamente humano en verlos encontrarse desde sus diferencias, construir silencios, sostener miradas y dejar que las palabras revelen aquello que el corazón tarda en pronunciar.

Sus historias personales no se olvidan, pero sobre el escenario sucede algo extraordinario: se transforman en materia viva de una experiencia artística que los trasciende. La vida les ofreció esta oportunidad y ellos supieron abrazarla, honrarla y convertirla en teatro.  Bendecidos por el teatro, nos bendicen también a nosotros, que tenemos la fortuna de ser sus espectadores.

La dirección de Santiago Doria, junto a la dirección adjunta de Mateo Chiarino, encuentra una identidad propia y se distancia de versiones anteriores para ofrecernos una puesta que respira con voz propia.

Hay sensibilidad, inteligencia y un cuidado especial en la construcción de ese vínculo que crece entre las paredes de una casa y termina abriendo las puertas de nuestra propia intimidad. La soledad, los prejuicios, la familia, la identidad y la necesidad de ser aceptados atraviesan esta obra sin estridencias. Allí reside parte de su grandeza: en recordarnos que nadie es solamente aquello que muestra, que todos guardamos secretos, dolores y preguntas, y que escuchar al otro puede ser una forma inesperada de salvación.

En tiempos en los que tantas veces levantamos muros antes de conocer al que tenemos enfrente, Visitando al Sr. Green nos invita a entreabrir una puerta, a quedarnos un rato más, a descubrir que la empatía no borra nuestras diferencias: nos enseña a habitarlas.

Una obra enorme, sostenida por artistas únicos e irrepetibles, que nos devuelve al teatro con el alma un poco más abierta.

Vayan al teatro. Déjense conmover. Aplaudan de pie y con el corazón.

Meche Martinez

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Cuentos de Hoffman Colon

 

Los cuentos de Hoffmann: cuando el arte también abraza la vida

La temporada de Los cuentos de Hoffmann, en el Teatro Colón, quedó atravesada por una noticia dolorosa: la muerte de Eugenio Zanetti, responsable de una puesta que nos invita a transitar los límites entre el amor, la ilusión y la pérdida.

En medio de esa ausencia, la obra continúa su camino, recordándonos que el teatro es también eso: un espacio donde la vida irrumpe, nos conmueve y transforma el sentido de lo que vemos sobre el escenario.

La música de Offenbach, la potencia de las voces y la dimensión fantástica de esta historia encuentran una resonancia particular cuando la realidad se mezcla con la ficción.

Pero esta temporada tiene, además, un motivo especial para celebrar: el ingreso de Carlo Argento como gran colaborador en esta historia.

Quienes conocemos su recorrido como actor y director de teatro sabemos de su compromiso, su talento y su trayectoria. Por eso, verlo asumir esta oportunidad nos emociona. No se trata solamente de un nuevo desafío profesional: es el reconocimiento a un camino recorrido, a una pasión sostenida y a una vida dedicada al teatro.

Y quienes lo conocemos sabemos que esta oportunidad es más que merecida.

Hay alegrías que trascienden a quien las recibe. Porque cuando algo hermoso le sucede a alguien que queremos y admiramos, esa felicidad se vuelve compartida.

Qué lindo que suceda esto, Carlo. Qué lindo que el teatro, incluso en medio de una despedida dolorosa, nos regale también un motivo para celebrar.

A veces, la alegría de otro es también una forma de la felicidad colectiva. Y esta vez, el aplauso tiene un nombre propio: Carlo Argento.

Meche Martinez

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Rafael en Argentina

 

Raphael en el Gran Rex: sigue siendo aquel

Con 83 años y una voz que conserva su fuerza expresiva, el artista andaluz ofreció una noche atravesada por la emoción, los recuerdos y el amor incondicional de su público. En el escenario, un hombre con toda una vida de música. En su manera de cantar, el mismo Raphael de siempre.

Buenos Aires, 20 de octubre de 2026.

Hay artistas a los que el tiempo parece no alcanzar. No porque permanezcan ajenos a su paso, sino porque conservan intacto aquello que los convirtió en inolvidables. Raphael es uno de ellos.

Anoche, en el Teatro Gran Rex, el legendario cantante español ofreció mucho más que un concierto. Con Raphaelísimo, el artista nacido en Linares, Andalucía, desplegó un recorrido por más de seis décadas de trayectoria, en una velada donde la emoción fue, sin duda, la gran invitada.

A sus 83 años, Raphael conserva algo que no se mide en años: la extraordinaria capacidad de conmover. Su presencia escénica tiene hoy otros tiempos, pero basta que comience a cantar para que aparezca, con toda su intensidad, el artista que ha cautivado a generaciones enteras.

Porque su voz sigue siendo ese instrumento inconfundible, cargado de dramatismo, fuerza y sensibilidad. Una voz que no se limita a interpretar canciones, sino que parece vivir cada una de ellas. La música lo recorre por entero, lo sostiene y lo devuelve a ese lugar donde siempre supo estar.

El repertorio fue un viaje por sus grandes éxitos, esas canciones que forman parte de la memoria sentimental de varias generaciones. Pero también hubo lugar para rendir homenaje a otras tradiciones musicales: el tango argentino, la canción mexicana y la inolvidable Édith Piaf encontraron su espacio en una noche que atravesó fronteras y épocas.

Fue un Raphael más íntimo, pero no menos intenso. Un artista que ya no necesita conquistar al público porque hace tiempo que lo ha conquistado. Y que, sin embargo, sigue entregándose en cada interpretación como si todavía tuviera algo esencial que decir.

Del otro lado, un público que no se limitó a escuchar. Cada canción fue una oportunidad para expresar admiración, cariño y gratitud. Los aplausos, las voces que acompañaban y la emoción compartida hicieron del Gran Rex un espacio de encuentro entre el artista y quienes lo han seguido durante décadas.

Hacia el final, las lágrimas terminaron por ganar la escena. Un Raphael visiblemente conmovido recibió el amor de su público con una gratitud que parecía desbordar las palabras. Ya no se trataba solamente de celebrar una carrera extraordinaria. Había algo más: el reconocimiento mutuo entre un hombre que ha dedicado su vida a cantar y un público que ha hecho de esas canciones parte de su propia historia.

Quizás allí estuvo lo más conmovedor de la noche. En comprobar que hay algo de la pasión por la música que permanece más allá del tiempo. Algo que no se pierde con los años, que no se desgasta con los aplausos recibidos ni con los escenarios recorridos.

Raphael dejó el alma en el escenario. No hizo falta que el tiempo retrocediera ni que intentara parecerse al artista que fue. Estaba allí, con sus 83 años, con su historia, con su voz y con esa capacidad intacta de hacer de cada canción una experiencia profundamente emotiva.

Porque anoche, detrás del artista consagrado, seguía estando aquel niño que comenzó a cantar hace ocho décadas.

Y ese niño, el de Linares, sigue intacto. «Yo sigo siendo aquel».

 

Verónica Buiatti

Lo dejamos acá

Hay películas que nos enfrentan a nuestras propias contradicciones. Lo dejamos acá, dirigida por Hernán Goldfrid, pertenece a ese territorio donde la palabra, la mirada y el silencio son piezas de un juego sutil. Ricardo Darín interpreta a Ulises Verón, un prestigioso psicoanalista que comienza a desconfiar del arte de escuchar y decide cruzar límites en busca de un pragmatismo más eficaz. Frente a él surge Martín Bouchard, interpretado por Diego Peretti, un escritor bloqueado que se niega a ceder tan fácilmente sus preguntas. 

En ese cruce de voluntades reside el mayor encanto de la obra. Darín compone a un hombre convencido de su inteligencia, administrando gestos y pausas como en un duelo de ajedrez donde el control empieza a resquebrajarse. Peretti aporta la fragilidad, el desconcierto y una silenciosa resistencia, transformando cada diálogo en un espacio fértil. La química entre ambos evade la sobreactuación: el verdadero conflicto habita en lo dicho a medias, en las miradas cruzadas y en la duda constante sobre quién conduce y quién es conducido. 

El reparto se completa con la presencia discreta pero significativa de Antonia Bengoechea, contrapunto que humaniza la figura del protagonista, junto a atinadas intervenciones de Inés Efron y Andrea Politti. Goldfrid teje una trama que bascula entre la comedia negra, el drama y el suspenso psicológico, hallando tensión en lo cotidiano. Aunque el relato roza preguntas profundas sobre la manipulación, el narcisismo y los límites éticos sin llegar a agotarlas del todo, esa misma contención delimita su sugerente universo.

Al final, la película trasciende el consultorio para interrogar nuestros propios vínculos. ¿En qué momento el deseo de ayudar se convierte en tentación de control? Darín y Peretti sostienen magistralmente esa ambigüedad, recordándonos que escuchar no siempre es comprender y que la vida del otro jamás nos pertenece. 

Meche Martinez

 

Santos Vega

 

SANTOS VEGA: EL REGRESO A NUESTRAS RAÍCES, 

UNA FIESTA DE TEATRO Y ARGENTINIDAD

Hay propuestas teatrales que trascienden el escenario y se convierten en una experiencia que nos toca en lo más profundo. Santos Vega, en el Teatro Nacional Cervantes, es una de ellas: un regreso a nuestra identidad, a la memoria de un pueblo, a esa raíz criolla que sigue latiendo debajo de todo lo que somos.

Con una dirección magistral de Daniel Casablanca, la obra despliega un universo de imágenes, música, movimiento y emoción que recupera la esencia de la gauchesca y la transforma en una experiencia escénica vibrante, contemporánea y profundamente nuestra. Casablanca consigue que la tradición no sea una pieza de museo, sino una materia viva que respira, se mueve y nos interpela.

Federico Llambí, en el papel de Santos Vega, merece una mención especial. Su interpretación le da cuerpo y alma a la leyenda, construyendo un personaje que atraviesa el escenario con la fuerza de lo mítico y la humanidad de lo cercano. Una actuación que sostiene el corazón de esta historia y nos invita a entrar en ese territorio donde la poesía, el destino y la identidad se encuentran.

Y qué decir de esta gran compañía: Rosario Albornoz, Gonzalo Amor, Rosario Ascencio, Paraná Berreta, Gabriela Biebel, Fabricio Blanco, Camilo Carabajal, Martha Humbert Dunoyer, Federico LLambí, Emiliano Luna, Soledad Mangia, Yacaré Manso, Pedro Maurizi, Florencia Mendizabal, Roberto Monzo, Guido Napolitano, Mariana Ortiz Losada, Mariela Passeri, Solsiré Pinto, Gimena Riestra, Maia Roldán, Alejandro Segovia, Fernando Fefo Sellés, Rodrigo Vallejos, Eliana Vazquez, Alejandro Viola. Un elenco extraordinario, entregado y preciso, que construye colectivamente una obra de enorme riqueza. Cada presencia, cada gesto, cada voz suma a un entramado escénico donde nadie está de más y donde el trabajo en conjunto se vuelve una verdadera celebración del teatro.

La coreografía es una maravilla. El cuerpo se convierte en relato, la danza en memoria, el movimiento en paisaje. Malambos, ritmos, energía y plasticidad se enlazan con una potencia visual que conmueve y deslumbra. Hay una belleza extraordinaria en esa manera de contar también con el cuerpo, de hacer que la tradición popular se vuelva lenguaje teatral y que el escenario entero palpite al ritmo de nuestra tierra.

Santos Vega nos recuerda que hay historias que no necesitan ser ciertas para ser verdaderas; leyendas que nos pertenecen porque guardan algo esencial de nosotros mismos. Entre payadas, encuentros, despedidas, dolores y celebraciones, la obra nos devuelve aromas, sonidos y sentimientos que creíamos olvidados, pero que solo estaban esperando volver a despertar.

Qué alegría que el Teatro Nacional Cervantes apueste por propuestas de esta dimensión artística y cultural. Qué necesario es volver a encontrarnos con nuestras raíces a través de un teatro que honra la tradición sin renunciar a la creatividad, la belleza y la fuerza expresiva del presente.

Una dirección brillante, un elenco formidable, una compañía que deslumbra, una coreografía memorable y un Federico Llambí que encarna a Santos Vega con enorme presencia escénica.

Teatro del que emociona, del que celebra lo nuestro, del que nos recuerda quiénes somos y de dónde venimos.

Porque, a veces, para abrazar lo nuevo, necesitamos volver al principio.

¡Bravo, Santos Vega! ¡Bravo, Daniel Casablanca y toda esta maravillosa compañía del Teatro Nacional Cervantes! Y síii… VIVA LA PATRIA!

Meche Martínez

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